Críticas, Películas, Secuela

Battle Royale II: Requiem (2003), más no siempre es mejor

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Battle Royale II: Requiem - poster

Battle Royale II: Requiem, dirigida conjuntamente por Kinji Fukasaku (Shanghai rhapsody; A chaos of flowers; Crest of betrayal) y su hijo Kenta (Yo-Yo girl cop; X-Cross; Rebellion: The killing isle), fue un intento fallido de replicar el éxito de su predecesora. Su producción estuvo marcada por la enfermedad y posterior muerte de Kinji Fukasaku, un hecho que, junto con un cambio significativo en el tono y la narrativa de la historia, es palpable en el resultado final. Está protagonizada por Tatsuya Fujiwara (Persona; Sabu), Ayana Sakai (N-Girls Vs Vampire; Boogiepop wa Warawanai: Boogiepop and Others), Riki Takeuchi (Vidas truncadas; Yakuza Demon), Ai Maeda (Azumi 2: Death or Love; God’s Left Hand, Devil’s Right Hand) y Shûgo Oshinari (Todo sobre Lily; Primavera Azul).

Sinopsis de «Battle Royale II: Requiem»

Battle Royale II: Requiem 01
Tres años después de ganar Battle Royale, Shuya Nanahara es ahora líder de un grupo terrorista llamado "Wild Seven" que busca derrocar al gobierno. La nueva "Ley Battle Royale" obliga a una clase de estudiantes a participar en el "Programa Battle Royale II", cuyo objetivo es infiltrarse y destruir el escondite de Nanahara.

Fuego con fuego, terrorismo con terrorismo

Battle Royale II: Requiem 02

Mientras que la primera película era una brutal e incisiva sátira sobre la desconfianza intergeneracional y el colapso de la sociedad, Battle Royale II: Requiem, se inclina más hacia un melodrama de acción. Uno de los principales problemas de la cinta es su intento de emular el mismo nivel de violencia y shock, pero con un mensaje político más explícito y menos sutil. La crítica feroz al sistema educativo y la obediencia ciega de la primera parte se ve reemplazada por una denuncia directa contra el terrorismo, el imperialismo y la guerra, con un paralelismo con eventos contemporáneos (la película se hizo poco después del 11 de septiembre). Sin embargo, esta crítica a menudo se siente torpe y simplista, y el guion lucha por articular una postura coherente.

Battle Royale II: Requiem 03

El desarrollo de personajes pierde profundidad en medio del ruido ideológico. Mientras que en Battle Royale nos presentaban a los estudiantes y podíamos ver cómo la situación los afectaba, la secuela cuenta con un elenco mucho más grande y, en consecuencia, menos tiempo para dedicar a cada uno. Muchos de ellos son meros peones narrativos que existen para ser sacrificados, lo que dificulta que el espectador se involucre emocionalmente en su destino. La excepción es el personaje de Shiori Kitano, la hija del profesor de la primera película, cuya historia personal se siente más desarrollada y sirve como el corazón emocional de la historia.

En resumen, estamos ante una secuela decepcionante. Intenta transformar una trama de supervivencia juvenil en una alegoría bélica global, sin embargo su ejecución desordenada y su falta de sutileza la convierten en una experiencia frustrante. No logra capturar la magia, la profundidad o el impacto visceral de la original, y aunque intenta tener algo que decir sobre temas importantes, su mensaje se pierde en un guion confuso y una falta de desarrollo de personajes.

Battle Royale II: Requiem 04

Trailer de «Battle Royale II: Requiem»

[imdb]tt0338763[/imdb]

Críticas, Películas

Battle Royale (2000), la distopía que cambió el juego

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Battle Royale - poster

Battle Royale, dirigida por Kinji Fukasaku (House on fire; Triple cross; The Geisha House), es mucho más que una simple película de acción o de terror. Es un manifiesto cinematográfico brutal y visceral que que sacude, incomoda y fascina. Más de 20 años después de su estreno, sigue siendo tan relevante, inquietante y provocadora como el día en que vio la luz. Está protagonizada por Aki Maeda (Haunted School 2; Haunted School 3), Tatsuya Fujiwara (Persona), Chiaki Kuriyama (Gonin; Shikoku; Ju-on (La maldición)), Taro Yamamoto (Daida kyoushi akiba, shinken desu!; July 7th, Sunny Day; La mujer del programa de protección policial) y Takeshi Kitano (Hana-Bi. Flores de fuego; El verano de Kikujiro; Gohatto).

Sinopsis de «Battle Royale»

Battle Royale 01
En un Japón distópico y en crisis económica, el gobierno ha implementado el Programa de Experimentación Bélica N°68 para controlar el comportamiento rebelde de los adolescentes. Cada año, una clase de tercer año de secundaria es seleccionada al azar y enviada a una isla desierta donde deben participar en un juego de supervivencia. Solo puede quedar uno. Las reglas son claras: matar o ser asesinado.

Supervivientes meets Humor Amarillo

Battle Royale 02

Battle Royale establece desde sus primeros minutos un tono de desesperanza y caos. La premisa, tan simple como macabra funciona como metáfora de la presión social, la competitividad extrema y el abandono generacional. El dilema moral es devastador. A lo largo del metraje se exploran temas como la lealtad, la amistad, el nihilismo, la manipulación política a través del miedo y la resistencia ante la opresión.

Basada en la controvertida novela de Koushun Takami, esta obra maestra del cine distópico japonés se erige como una crítica feroz a la sociedad, la autoridad, la juventud, la naturaleza humana y la violencia institucionalizada. No es una película para todo el mundo, pero su impacto y audacia son innegables.

Battle Royale 03

El punto más destacable de la cinta está en la manera en la que el director maneja la situación. A diferencia de sus muchas imitaciones posteriores, la historia no se deleita en presentar violencia gratuita sin más, aunque la sangre, las mutilaciones y la casquería fluye sin cesar. Sin embargo, cada muerte, por impactante que sea, tiene un peso emocional. Cada estudiante tiene un flashback más o menos desarrollado en la que se muestra su vida, sus sueños y sus relaciones antes de la pesadilla. Esto no solo sirve para humanizar a las víctimas, sino que también intensifica el horror. No son meros personajes unidimensionales; son amigos, rivales, enamorados, compañeros, etc. que se ven forzados a traicionarse entre sí.

Las actuaciones son extraordinarias. Takeshi «Beat» Kitano, en el papel del sádico y enigmático profesor del instituto, es una presencia inquietante y ambigua en la que reside el corazón oscuro de la película, simbolizando la autoridad corrupta y el cinismo de la generación adulta. Los jóvenes actores, muchos de ellos debutantes, ofrecen interpretaciones crudas y llenas de verdad que, en mayor o menor medida, logran transmitir la angustia y la determinación de sus personajes con una convicción conmovedora.

En conclusión, se trata de una obra de arte cinematográfico que desafía las convenciones a través de un viaje incómodo y perturbador, pero esencial. Su brutalidad es un espejo de nuestra propia sociedad, y su mensaje, aunque entregado con un puñetazo al estómago, es una advertencia que sigue resonando con una fuerza aterradora.

Battle Royale 04

Trailer de «Battle Royale»

[imdb]tt0266308[/imdb]

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Matar a Dios (2017), una comedia oscura casi negra

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Matar a Dios - poster

Matar a Dios, ópera prima de los directores Albert Pintó y Caye Casas, naufraga en su propio intento de ser una sátira mordaz y se queda en un ejercicio de tedio y pretensión. Lo que empieza como una premisa intrigante —el fin del mundo anunciado por un mendigo que se proclama Dios— se desinfla rápidamente, dejando al espectador con una sensación de oportunidad perdida. Protagonizan Eduardo Antuña (Cenizas del cielo; Madrid, 1987), Itziar Castro (Transeúntes; La sexta alumna), Boris Ruiz (RIP; Mil cosas que haría por ti), David Pareja (Cuchillo; Esa sensación), Emilio Gavira (Blancanieves; Operasiones espesiales) y Francesc Orella (Truman; Contratiempo).

Sinopsis de «Matar a Dios»

Matar a Dios 01
Una familia disfuncional se reúne para celebrar la Nochevieja en una cabaña en la montaña. La velada se ve interrumpida por la llegada de un vagabundo, que afirma ser Dios. Su misión no es otra que anunciar el fin de la humanidad y pedirles a los presentes que elijan a las dos personas que se salvarán.

Un Apocalipsis entre lo provocador y lo predecible

Matar a Dios 02

El mayor lastre de Matar a Dios son sus personajes. El cuarteto de protagonistas —una familia burguesa y sus dos invitados— no son seres complejos atrapados en un dilema moral, sino caricaturas planas, unidimensionales y exasperantemente desagradables que no evolucionan. Sus motivaciones son poco creíbles y sus reacciones ante lo absurdo del planteamiento resultan forzadas. La sátira social que se busca a través de ellos resulta obvia y superficial, a través de diálogos forzados que caen en la redundancia y el chiste fácil.

El Dios interpretado por Emilio Gavira, con su monólogo interminable y su figura de vagabundo, se convierte en un símbolo de la irritación general que provoca la historia. La película se siente como una obra de teatro filmada con un elenco poco comprometido.

Matar a Dios 03

El ritmo es exasperante. La mayor parte del metraje se desarrolla en un único espacio, la casa familiar, lo que podría haber sido una virtud si se hubiera utilizado para generar una claustrofobia palpable o una tensión psicológica. En cambio, se convierte en una prisión de la que no podemos escapar, llena de diálogos que giran en círculos y escenas que no aportan nada al desarrollo de la trama ni de los personajes. La sensación de estar viendo un cortometraje estirado hasta el largometraje aumenta de forma exponencial según pasan los minutos.

El argumento navega entre las aspiraciones de ser un thriller psicológico, una comedia grotesca o un drama existencial, sin acabar de definirse. El resultado es un híbrido sin identidad, una película que no sabe a dónde va y nos obliga a acompañarla en su errático y aburrido viaje. Al final, no hay ni un solo momento memorable que justifique el tiempo invertido en verla.

Matar a Dios 04

Trailer de «Matar a Dios»

[imdb]tt6229030[/imdb]

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Belleza robada (1996), inocencia y magnetismo

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Belleza robada - poster

Bernardo Bertolucci (El último tango en París; Novecento (1900); El último emperador), polémico y controvertido director, conocido por sus dramas épicos y visualmente deslumbrantes, ofrece en Belleza robada un relato más íntimo, pero no por ello menos complejo, ambientado en la idílica campiña toscana. Protagonizan Liv Tyler (Heavy; Empire Records; The Wonders), Jeremy Irons (El país del agua; Herida; La casa de los espíritus) y Sinead Cusack (El jardín de cemento; La novicia; La tabla de Flandes).

Sinopsis de «Belleza robada»

Belleza robada 01
Lucy Harmon, una adolescente estadounidense de 19 años, viaja a Italia tras el suicidio de su madre, una famosa poetisa. Se hospeda en la villa de unos amigos de la familia, un grupo de artistas y bohemios expatriados, y se sumerge en una atmósfera de calor veraniego, conversaciones filosóficas y, sobre todo, una sexualidad latente.

Una oda visual a la juventud, el deseo y la memoria

Belleza robada 02

Bernardo Bertolucci regresa a su Italia natal con Belleza robada, una película que, más que narrar una historia, busca ser una experiencia sensorial que transmita sensaciones. Ambientada en la Toscana, realiza una meditación sobre el paso de la adolescencia a la madurez en un paisaje de una belleza inigualable. Es una demostración de la maestría visual de Bernardo Bertolucci y de su capacidad para crear un universo cinematográfico evocador.

El director maneja con destreza el contraste entre generaciones: los adultos, marcados por la enfermedad, el desencanto o el paso del tiempo, se proyectan en la vitalidad de la protagonista adolescente. La cámara, con su ritmo pausado, se deleita en los paisajes toscanos, la luz dorada del sol, los cipreses, los campos de olivos y las antiguas villas, convirtiéndolos en metáfora del propio despertar de la protagonista. Es cine contemplativo, donde la luz y la piel son tan importantes como los diálogos.

Belleza robada 03

El guion mezcla una historia de paso de la adolescencia a la mayoría de edad con un misterio familiar. El diario de la madre fallecida actúa como hilo conductor, revelando pistas sobre la identidad del padre de Lucy. Sin embargo, más allá del argumento, la película se centra en el tránsito emocional de la protagonista, su descubrimiento del deseo y su búsqueda de pertenencia.

Aunque la trama puede parecer difusa o incluso forzada en momentos, Liv Tyler logra sostener la historia con una presencia magnética. Su Lucy es ingenua pero decidida, y su interacción con Jeremy Irons (que interpreta a un escritor moribundo) aporta los momentos más emotivos y auténticos del filme.

Belleza robada 04

Trailer de «Belleza robada»

[imdb]tt0117737[/imdb]

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Número 9 (2009), una fábula oscura con alma de trapo

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Número 9 - poster

Número 9, dirigida por Shane Acker y producida por Tim Burton y Timur Bekmambetov, es una película de animación post-apocalíptica que destaca por su singularidad visual y su oscuro mundo. La combinación de la estética del stop-motion con técnicas digitales ofrece un universo inquietante, sombrío y visualmente deslumbrante. Se trata de una expansión del cortometraje del mismo nombre (también realizado por Shane Acker), que fue nominado al Oscar en 2005.

Sinopsis de «Número 9»

Número 9 01
Número 9 es una pequeña criatura de tela que despierta en este mundo devastado sin recuerdos de cómo llegó allí. Pronto descubre que hay otros como él, cada uno con un número, y que deben unirse para sobrevivir a las aterradoras máquinas que los persiguen.

«Sometimes one must be sacrificed»

Número 9 02

El principal atractivo de Número 9 es su estética steampunk y artesanal, que se aleja de la animación convencional. Los personajes, con sus cuerpos de arpillera y ojos de botones, tienen un encanto triste y macabro que encaja perfectamente con el tono de la historia. El diseño de las criaturas mecánicas es igualmente impresionante, evocando una sensación de terror y agresividad.

La animación es impecable. Cada textura, cada sombra y cada movimiento están cuidados al detalle. El universo que construye Acker es hipnótico, con planos aéreos espectaculares y una paleta de colores apagados, dominada por grises, marrones y ocres, que refuerza el tono sombrío de la historia.

Número 9 03

La metáfora del alma dividida en varias partes es sugerente, pero a veces el mensaje se presenta de manera demasiado explícita. Aun así, el trasfondo filosófico —el precio del progreso tecnológico, la desolación, la culpa, la lucha por la supervivencia y la trascendencia del espíritu— dota a la obra de una densidad poco habitual en el cine animado comercial.

A pesar de ese deslumbrante estilo visual, la narrativa presenta algunas debilidades, con una trama que parte de una premisa intrigante pero que no acaba de profundizar en el trasfondo de ese mundo futuro. Los personajes carecen de un desarrollo emocional significativo, lo que dificulta que el espectador se conecte plenamente con ellos.

La película se centra más en la acción y en la creación de una atmósfera opresiva que en la construcción de personajes o en la exploración de temas más complejos. El nivel visual supera al narrativo, dejando al espectador con más preguntas que respuestas.

Número 9 04

Trailer de «Número 9»

[imdb]tt0472033[/imdb]

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El honor de los Prizzi (1985), una comedia de enredos mafiosa

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El honor de los Prizzi - poster

El honor de los Prizzi es una joya cinematográfica del aclamado director John Huston (Evasión o victoria; Annie; Bajo el volcán), una comedia negra que se atreve a satirizar el mundo de la mafia con una elegancia poco común. Basada en la novela de Richard Condon, la película mezcla crimen, romance y humor ácido en una historia que se mueve entre el honor familiar y los intereses personales, con un tono irónico y satírico que cuestiona no solo la moral de sus personajes, sino también la propia tradición del cine sobre la mafia. Fue una de las últimas películas de Huston, y muchos la consideran un testamento de su maestría. Protagonizan Jack Nicholson (El resplandor; El cartero siempre llama dos veces; La fuerza del cariño), Kathleen Turner (La pasión de China Blue; En busca del águila; La joya del Nilo) y Anjelica Huston (El corsario escarlata; This is Spinal Tap; Guerreros del espacio).

Sinopsis de «El honor de los Prizzi»

El honor de los Prizzi 01
Charley Partanna, un sicario de la mafia Prizzi, se enamora de Irene Walker, una asesina a sueldo independiente, durante una boda. Lo que comienza como un idílico romance pronto se complica, ya que ambos descubren que han sido contratados para matarse mutuamente. La trama, llena de giros y traiciones, es un brillante ejercicio de absurdo y sátira.

Entre el honor y el amor

El honor de los Prizzi 02

Con El honor de los Prizzi John Huston demostró que con 79 años seguía teniendo un pulso firme y una visión clara detrás de las cámaras. La dirección es elegante, sobria y cargada de ironía, permitiendo que las excentricidades de los personajes y el absurdo de la historia brillen sin ser forzados.

Huston subvierte las expectativas del género de gánsteres, presentando a los mafiosos no como figuras míticas, sino como hombres de negocios incompetentes y ridículamente sentimentales. Lejos de la épica de, por ejemplo, El Padrino, aquí la mafia aparece retratada como una institución casi burocrática, con ancianos patriarcas que manejan el crimen como si fueran una empresa familiar. La película nunca glorifica la violencia, sino que la trata con una frialdad que roza lo grotesco.

El honor de los Prizzi 03

El guion, escrito por Richard Condon (autor de la novela original) y Janet Roach, es una obra maestra de la comedia negra. El humor no es obvio; surge de la yuxtaposición de la violencia brutal de la mafia con la absurdidad de sus problemas personales y la frialdad con la que tratan sus actividades criminales. La película se ríe de los códigos de honor y de la supuesta “lealtad” de la mafia, mostrando que, en última instancia, lo único que importa es el dinero.

Jack Nicholson y Kathleen Turner ofrecen interpretaciones magistrales. Nicholson, con su característico estilo pero alejado de sus papeles más histriónicos, da vida a un Charley ingenuo y brutal al mismo tiempo, creando un personaje cómico y trágico. Turner, por su parte, es una femme fatale calculadora y encantadora. La química entre ambos es electrizante. Anjelica Huston, en un papel secundario, roba escenas gracias a una curiosa combinación de vulnerabilidad y rencor feroz que equilibra la frialdad de la trama con una intensidad emocional que da profundidad a la sátira.

El honor de los Prizzi 04

Trailer de «El honor de los Prizzi»

[imdb]tt0089841[/imdb]

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Azumi 2: Death or love (2005), entre la espada y el corazón

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Azumi 2: Death or love - poster

Azumi 2: Death or love es una secuela que, lamentablemente, no logra capturar la misma energía y frescura de su predecesora. Mientras que la primera parte era una explosión de acción con una protagonista carismática y un ritmo trepidante, esta continuación intenta expandir la historia sin tener una dirección clara. Dirige Shusuke Kaneko (Haunted School 3; Pyrokinesis; To Sing of Love, tomando el relevo de Ryuhei Kitamura, y protagonizan Aya Ueto (en lo que vendría siendo su segunda película como actriz), Yûma Ishigaki (Persona; Lovers’ Kiss; Battle Royale 2: Réquiem), Chiaki Kuriyama (Battle Royale; Kill Bill. Volumen 1; La Gran Guerra Yokai), Shun Oguri (Robot Contest; Reincarnation; The Neighbor No. Thirteen) y Ken’ichi Endô (Flower and Snake; Stop the Bitch Campaign Again; Flower and Snake II).

Sinopsis de «Azumi 2: Death or love»

Azumi 2: Death or love 01
Azumi continúa su misión de eliminar a los señores feudales que amenazan la paz en Japón. Acompañada por su último compañero sobreviviente, Nagara, se enfrenta a nuevos enemigos, dilemas morales y una creciente tensión entre su deber como asesina y su deseo de una vida normal.

Un viaje más reflexivo pero menos impactante

Azumi 2: Death or love 02

Azumi 2: Death or love se resiente con el cambio de director con respecto a la entrega previa. La estética visual, que en la primera era cruda y estilizada, se vuelve aquí más pulida y, en cierto modo, genérica. Las escenas de lucha, aunque siguen siendo impresionantes en general, pierden parte del impacto, ya que en muchos de los enfrentamientos se nota la coreografía por encima del combate en sí.

La trama es el principal punto débil de una película que parece indecisa sobre su propio tono. Intenta ser un drama existencial sobre el peso de las decisiones de Azumi y su deseo de dejar de matar, pero estas reflexiones se ven constantemente interrumpidas por batallas que parecen más un requisito que una necesidad narrativa. La subtrama romántica es insípida y no logra generar la tensión emocional necesaria.

Azumi 2: Death or love 03

Es decir, la narrativa se tambalea entre escenas de acción y momentos introspectivos que no terminan de cuajar. El resultado es una película que entretiene pero no emociona.

La protagonista sigue brillando: Aya Ueto vuelve a encarnar a Azumi con una mezcla de vulnerabilidad y ferocidad. Su presencia física y emocional sostiene la película, incluso cuando el guion flaquea.

Los personajes nuevos carecen de un desarrollo mínimo y la historia parece un reciclaje de lo ya visto. El villano carece de la presencia intimidatoria y el carisma retorcido que tenía el temible Bijomaru Mogami en la primera parte.

Azumi 2: Death or love 04

Trailer de «Azumi 2: Death or love»

[imdb]tt0431641[/imdb]

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Azumi (2003), ninjas, katanas, sangre y faldas cortas

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Azumi - poster

Azumi, dirigida por Ryuhei Kitamura (Versus; Alive; Sky High), es una película de acción japonesa basada en el manga de Yū Koyama que sumerge al espectador en una vibrante mezcla de acción estilizada, combates frenéticos, drama ligero y honor samurái. Está protagonizada por Aya Ueto (en lo que es su debut como actriz), Shun Oguri (Hitsuji no uta; Robot Contest), Hiroki Narimiya (Drowning Fish; Lovers’ Kiss), Takatoshi Kaneko (Waterboys; Rain of Light) y Yasutaka Sano (Battle Royale).

Sinopsis de «Azumi»

Azumi 01
Azumi es una joven huérfana entrenada desde la infancia para convertirse en una máquina de matar. Su misión, junto a un grupo de jóvenes guerreros, es eliminar a señores de la guerra que amenazan con desestabilizar el Japón feudal. A medida que la violencia se intensifica, Azumi comienza a cuestionar el precio de su deber.

La furia de la asesina adolescente

Azumi 02

Lo que más destaca de Azumi es, sin duda, su acción desbordante. La película es una coreografía de espadas y sangre que rara vez da un respiro. Las secuencias de lucha, aunque a veces exageradas, son visualmente impactantes, con una estética de movimientos rápidos y un uso dinámico de la cámara y los escenarios, que ofrece un espectáculo visual que es tan brutal como entretenido.

El ritmo es rápido y fluido, aunque hay algunas secuencias demasiado estiradas. La película no se detiene en dar explicaciones, avanza con energía, alternando momentos de introspección con explosiones de violencia. El clímax, donde Azumi se enfrenta a decenas de enemigos, es un tour de force de esgrima y coreografía impresionante.

Azumi 03

No obstante, Azumi no es solo una asesina implacable, es también una adolescente que lucha con su propia humanidad. Una dualidad entre vulnerabilidad y letalidad que Aya Ueto logra transmitir a la perfección. A lo largo de la historia, vemos su conflicto interno: la amistad, el amor y la compasión se oponen a su estricto entrenamiento y a la violencia que la rodea. Esta lucha emocional le da al personaje una profundidad que la diferencia de otros héroes de acción.

Por otro lado, el guion es relativamente simple y predecible, sirviendo principalmente como un vehículo para las escenas de acción y sin llegar a profundizar realmente en muchos de los temas que plantea. El grupo de rémoras que acompaña a la protagonista apenas tiene un desarrollo superficial, lo que hace que su (funesto) destino no llegue a tener el impacto emocional que se busca. Algunos de los antagonistas rozan lo absurdo, con actuaciones exageradas que le restan seriedad al conflicto.

Azumi 04

Trailer de «Azumi»

[imdb]tt0384819[/imdb]

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La verdad sobre perros y gatos (1996), ingenio y química

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La verdad sobre perros y gatos - poster

La verdad sobre perros y gatos es una comedia romántica que desafía los cánones del género. En lugar de centrarse en la belleza superficial, explora la complejidad de la identidad, la autoaceptación y los enredos del corazón. Dirigida por Michael Lehmann (Escuela de jóvenes asesinos; El gran halcón; Cabezas huecas), es una joya de los 90 que se mantiene vigente por su mensaje atemporal y su humor inteligente. Está protagonizada por Janeane Garofalo (Amigas para siempre; De sangre fría; Bye bye love), Uma Thurman (Jennifer 8; La chica del gángster; Ellas también se deprimen) y Ben Chaplin (Bye bye baby; Lo que queda del día; Cosecha de julio).

Sinopsis de «La verdad sobre perros y gatos»

La verdad sobre perros y gatos 01
Abby Barnes es una locutora de radio inteligente, sarcástica y amante de los animales, pero que se siente insegura por su físico. Cuando Brian, un atractivo fotógrafo, la llama a su programa, se enamora de su voz y quiere conocerla. Por miedo a que, al verla en persona, él no la encuentre atractiva, Abby le pide a su vecina Noelle, una supermodelo despampanante pero ingenua, que se haga pasar por ella. Lo que sigue es un triángulo amoroso lleno de malentendidos, ternura y reflexiones sobre la autenticidad.

Tú y yo combinadas somos la mujer perfecta

La verdad sobre perros y gatos 02

La verdad sobre perros y gatos invierte la premisa clásica de Cyrano de Bergerac, con una perspectiva femenina y contemporánea. En lugar de un hombre escondido tras palabras poéticas, tenemos a una mujer escondida tras una cara ajena.

La cinta juega con características típicamente atribuidas a las mascotas del título para representar a sus personajes principales. Abby, con su actitud independiente y su inteligencia, es el gato. Noelle, la modelo, es el perro, con su actitud dulce y leal. Esta dicotomía permite que se explore la idea de que la belleza no tiene una sola forma y que la atracción puede surgir de la personalidad, la inteligencia y el sentido del humor, tanto como de la apariencia física.

La verdad sobre perros y gatos 03

Además, los animales también tienen un papel entrañable. El gato de Abby y el perro de Brian no solo sirven como catalizadores del romance, sino que también reflejan las personalidades de sus dueños: independientes, leales, y un poco caóticos.

Así, más allá de lo esperable en una comedia romántica al uso, la película habla sobre la inseguridad, el miedo al rechazo y la necesidad de aceptarse a uno mismo. El guion, ingenioso y lleno de diálogos rápidos, logra que el espectador se identifique con los personajes y sus dilemas.

Janeane Garofalo brilla con una interpretación que mezcla sarcasmo, vulnerabilidad y encanto. La química con Ben Chaplin es creíble. Uma Thurman aporta una dulzura inesperada a su papel y su relación con Garofalo convierte lo que podría haber sido una farsa superficial en una historia con corazón.

La verdad sobre perros y gatos 04

Trailer de «La verdad sobre perros y gatos»

[imdb]tt0117979[/imdb]

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2012 (2009), Emmerich al cubo

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2012 - poster

2012 no es solo una película, es la culminación de la obsesión del cineasta alemán Roland Emmerich (Independence Day, Godzilla, El día de mañana) por el género de catástrofes. Protagonizan John Cusack (El jurado, La cosecha de hielo, El niño de Marte), Chiwetel Ejiofor (Cuatro hermanos, Plan oculto, Hijos de los hombres), Amanda Peet (El amor es lo que tiene, La fuerza de vivir, Objetivo: Terrum), Oliver Platt (Loverboy, Casanova, Los diez locos mandamientos) y Thandiwe Newton (Las crónicas de Riddick, En busca de la felicidad), RocknRolla).

Sinopsis de «2012»

2012 01
En el calendario de los mayas aparece señalado el año 2012 como la fecha en la que se producirá el fin del mundo, que irá acompañado de diversas catástrofes naturales: erupciones volcánicas, tifones, glaciares que inundarán el planeta. Cuando el escritor Jackson Curtis y sus hijos regresan a casa, una intensa actividad sísmica recorre la Costa Oeste de los Estados Unidos.

Un parque de atracciones apocalíptico

2012 02

2012 es visualmente espectacular y entretenida, pero su guion es débil, predecible y lleno de clichés. Es el ejemplo perfecto de una película que funciona de manera impecable dentro de los parámetros del cine de catástrofes de gran presupuesto. Es un espectáculo visual sin igual, una montaña rusa de emociones que, por un momento, nos hace olvidar el guion y simplemente disfrutar de ver cómo el mundo se viene abajo en la pantalla grande.

La destrucción de Los Ángeles, el colapso del Vaticano, el tsunami que inunda el Himalaya… cada secuencia de desastre es una coreografía de caos meticulosamente diseñada para dejar al espectador sin aliento. Emmerich no solo destruye edificios icónicos, sino que lo hace con una escala y un nivel de detalle que transforman el apocalipsis en una experiencia cinematográfica casi eufórica.

El ritmo es frenético, pero la historia se siente predecible y emocionalmente superficial. Apenas hay pausas para respirar entre una catástrofe y la siguiente, y la sensación de peligro constante y la adrenalina pura están garantizadas. Aun con todo, hay altibajos. Con una duración de casi 160 minutos, hay tramos que se sienten inflados, con subtramas que no aportan mucho a la historia principal.

2012 03

Por otro lado, el guion es, sin duda, el punto más débil de la cinta. Los diálogos son clichés del género, expositivos y en ocasiones ridículamente solemnes. Los personajes son arquetipos sin profundidad. El protagonista, Jackson Curtis (interpretado por John Cusack), es un escritor fracasado en busca de redención que se convierte en héroe por pura casualidad, el clásico «hombre común» que debe salvar a su familia mientras la Tierra se desmorona a su alrededor. Su ex-esposa, su nuevo novio, el científico ignorado que tenía razón, los políticos corruptos, el presidente noble, los multimillonarios indiferentes al sufrimiento global… todos cumplen su función sin salirse del molde. Se intenta mezclar crítica social con sentimentalismo, pero el resultado es torpe y predecible.

La trama está construida sobre una lógica que desafía la credibilidad a cada paso. La narrativa es una serie de escapadas milagrosas donde la suerte juega un papel tan fundamental que roza lo absurdo. El protagonista y su familia escapan de la muerte una y otra vez en un avión que desafía las leyes de la física. Esta falta de verosimilitud no es un error, sino una elección consciente. Emmerich no busca la inteligencia, sino la emoción visceral. Su objetivo no es que el espectador reflexione, sino que se agarre al asiento y disfrute del viaje. Es una película que no hay que pensar, sino experimentar.

2012 04

Trailer de «2012»

[imdb]tt1190080[/imdb]